HILMA AF KLINT|10 MIN DE LEITURA

O significado da arte de Hilma af Klint

Durante anos, uma pintora sueca criou obras que, a seu ver, só seriam compreendidas depois da sua morte. Quando finalmente chegaram aos museus, mudaram a história da arte abstrata.

AUTOR Moryarty

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Vista de uma exposição de Hilma af Klint no Museu Solomon R. Guggenheim. — Ryan Dickey, de Evanston / Chicago, Estados Unidos, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

A arte de Hilma af Klint ficou guardada em caixas durante a maior parte do século XX. A pintora sueca criou algumas das obras abstratas mais ambiciosas do início do século e pediu à família que não as mostrasse ao público durante os vinte anos seguintes à sua morte, por acreditar que a sua época ainda não estava preparada para elas. Ao vasto projeto que lhes deu origem, chamou a obra da sua vida: «Pinturas para o templo», realizado entre 1906 e 1915, um ciclo de 193 pinturas e desenhos para um templo que nunca chegou a ser construído.

Sete dessas obras aparecem aqui. Cinco pertencem a «Os dez maiores», a série de 1907 em que representou as quatro idades da vida humana através de enormes formas flutuantes. Duas datam de 1915, o ano em que concluiu o projeto espiritual com o grupo «A pomba» e os três «Retábulos». Em conjunto, mostram o que entendia por abstração e por que razão tinha a certeza de que esta pertencia a um futuro que não chegaria a conhecer.

Por que razão «Os dez maiores, infância, n.º 2» ficou longe do público durante décadas

Hilma af Klint pintou «Os dez maiores, infância, n.º 2» em 1907. A obra abre a história de uma vida. A série percorre, aos pares, quatro idades: começa na infância, passa pela juventude e pela idade adulta e termina na velhice. O n.º 2 é a segunda tela dedicada à infância, repleta de grandes formas arredondadas que flutuam e se entrelaçam em azul, rosa, laranja, amarelo e branco, com pequenos sinais semelhantes a glifos espalhados pelas curvas. O título que a artista lhe deu foi «De tio största, nr 2, Barnaåldern, grupp IV».

Quando a pintou, af Klint já tinha passado dos quarenta anos e possuía uma sólida formação artística. Estudara na Academia Real de Artes da Suécia na década de 1880 e ganhava a vida em Estocolmo como pintora de paisagens e retratos.

Morreu em 1944, e o seu sobrinho Erik af Klint herdou mais de 1000 obras e pouco mais de 125 cadernos.

As pinturas da infância ficaram longe do público porque assim o pediu. Deixou instruções ao sobrinho para manter as obras abstratas longe do público durante os vinte anos seguintes à sua morte, por acreditar que a sua época ainda não estava preparada para elas.

Em 1970, ofereceram a coleção inteira ao Museu de Arte Moderna de Estocolmo, mas o museu recusou a doação.

A mudança foi lenta e tardia. As obras passaram para os cuidados da Fundação Hilma af Klint e, em 2022, o Museu de Arte Moderna de Estocolmo apresentou a série completa de «Os dez maiores» pela primeira vez desde 2013, incluindo «Infância, n.º 2». Junto das grandes telas, expôs aguarelas e um conjunto completo de fotografias coloridas à mão das dez pinturas, que mostravam como af Klint continuou a estudar a sua própria obra muito depois de 1907.

Como pintou Hilma af Klint «Os dez maiores, n.º 3, juventude» em quarenta dias?

«Os dez maiores, n.º 3» é uma das duas pinturas dedicadas à juventude e tem uma origem curiosa. Af Klint contou que os seus guias espirituais lhe tinham pedido dez pinturas de uma beleza paradisíaca. Essas pinturas deviam dar ao mundo um vislumbre das quatro etapas da vida. O n.º 3 responde a esse pedido em laranja, amarelo, azul e preto: espirais sobrepostas e formas semelhantes a pétalas flutuam sobre um fundo laranja luminoso, sem um único ponto focal, como se a própria juventude tivesse demasiada energia para sossegar.

Começou a série no outono de 1907 e terminou as dez telas em quarenta dias. Cornelia Cederberg e Gusten Andersson, duas pessoas do seu círculo, ajudaram-na na execução das pinturas.

Trabalharam no n.º 5 da Hamngatan, em Estocolmo, num atelier que a artista partilhava com Lotten Rönnqvist e Alma Arnell.

Pintou a série a têmpera sobre papel, que mais tarde foi montado em tela, recorrendo à técnica dos retábulos renascentistas que admirara em Florença, numa viagem a Itália alguns anos antes. A série destinava-se a um templo que nunca chegou a ser construído.

Os originais têm cerca de 3,2 metros de altura; af Klint queria expor os dez em conjunto, numa disposição circular.

O original continua na Fundação Hilma af Klint, em Estocolmo. Um ciclo inteiramente abstrato surgiu em 1907, anos antes de a abstração entrar na narrativa mais conhecida da arte moderna. Uma reprodução em formato de poster mantém visíveis o seu fundo laranja luminoso e as espirais flutuantes.

Como influenciaram as sessões espíritas do grupo As Cinco «Os dez maiores, n.º 7, idade adulta»?

Em 1896, af Klint formou com outras quatro mulheres um círculo chamado As Cinco. Realizavam sessões espíritas, praticavam a escrita e o desenho automáticos e tentavam contactar seres a quem chamavam os Grandes Mestres. Anos antes da primeira pintura para o templo, foi neste grupo que af Klint aprendeu que uma mão podia percorrer o papel e produzir traços que ninguém tinha planeado.

Essa aprendizagem transparece no seu relato das pinturas posteriores. Dizia que as imagens eram pintadas diretamente através dela, sem desenhos preparatórios e com grande força. No seu entender, não inventava as imagens: recebia-as.

Af Klint pintou «Os dez maiores, n.º 7» em 1907 e deu-lhe o título «Grupp IV, De tio största, nr 7, Mannaåldern». A obra faz parte do conjunto de quatro telas dedicadas à idade adulta. A artista pintou sobre grandes folhas de papel, mais tarde montadas em tela, e a escala torna muito provável que cada folha estivesse estendida no chão do atelier enquanto trabalhava. O n.º 7 partilha o fundo roxo das quatro pinturas da idade adulta, com apontamentos verdes e vermelhos em formas sinuosas.

Na pintura original, repetem-se as letras u, w e s, juntamente com a palavra vestalasket, que significa asceta vestal.

A fundação que preserva a sua obra guarda a pintura em Estocolmo. A série completa esteve exposta no Museu de Arte Moderna de Malmö de 4 de abril de 2020 a 11 de abril de 2021, com as dez telas reunidas, tal como af Klint pretendia que fossem vistas.

O que significava a idade adulta em «Os dez maiores, n.º 8» e como se tornou conhecida esta pintura?

«Os dez maiores, n.º 8», de 1907, encerra o conjunto de quatro pinturas da idade adulta. A série dedica quatro telas a esta etapa, enquanto a infância, a juventude e a velhice recebem duas cada uma, como se o meio da vida precisasse de mais espaço. O n.º 8 apresenta as mesmas letras, arabescos e formas geométricas das outras três obras, mas com uma energia mais calma: dominam os rosas suaves, avivados por amarelos e azuis.

Para af Klint, a idade adulta não era uma questão de contar aniversários. Interessava-lhe mais o desenvolvimento espiritual e mental do que o crescimento físico. Por isso, as quatro telas da idade adulta tratam do que muda no interior de uma pessoa, e não à sua volta.

O público começou a compreender o n.º 8 à medida que o espólio da artista foi sendo divulgado. A Fundação Hilma af Klint nasceu em 1972 para dar a conhecer a enorme coleção, um primeiro passo institucional para abrir a herança privada da família ao mundo exterior.

A verdadeira redescoberta aconteceu em 1986, quando a exposição «O espiritual na arte: pintura abstrata 1890-1985» incluiu a sua obra, até então praticamente desconhecida, e a integrou na história mais ampla da abstração. Essa exposição fez parte do contexto em que pinturas como o n.º 8 começaram a ser reconhecidas.

Até 2018, a obra já tinha chegado a um dos mais prestigiados museus de arte moderna. O n.º 8 esteve exposto com as outras pinturas da idade adulta no Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova Iorque, na exposição «Hilma af Klint: pinturas para o futuro». O original continua na Fundação Hilma af Klint, em Estocolmo, que empresta as obras às exposições que as tornaram famosas.

O que significa a velhice em «Os dez maiores, n.º 9»?

«Os dez maiores, n.º 9, velhice» abre o último par da série. Esta obra de 1907 marca o ponto em que as formas orgânicas e lúdicas das pinturas anteriores dão lugar à simetria e à geometria, à medida que a série chega à velhice. O fundo rosa luminoso está repleto de espirais, formas semelhantes a pétalas e emblemas simbólicos que flutuam e se ligam entre si. Os contornos nítidos dão ao conjunto uma energia serena e estável.

Af Klint deixou notas sobre o significado que esta etapa tinha para si. Escreveu, mais tarde, que a imagem dizia respeito a uma divindade que reunia tanto o princípio masculino como o feminino. A nota descreve a velhice como essa união, com os princípios masculino e feminino reunidos numa única divindade.

A pintura conquistou o seu lugar na história da arte através de sucessivas reavaliações. «Os dez maiores» integrou a exposição de 2013 «Hilma af Klint, pioneira da abstração», que voltou a perguntar quem tinha realmente iniciado a pintura abstrata e quando.

Em 2018, a série chegou ao Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova Iorque, onde ocupou a primeira galeria da exposição «Pinturas para o futuro». O n.º 9 continua na fundação de Estocolmo que cuida da sua obra.

«A pomba, n.º 1» e o sentido cristão das suas pinturas para o templo

Af Klint começou «A pomba, n.º 1» em 1915, na fase final de «Pinturas para o templo». Ao contrário de «Os dez maiores», com os seus amplos movimentos orgânicos, esta pintura tem uma estrutura rigorosa: eixos simétricos atravessam uma forma circular central, rodeada por formas geométricas mais pequenas. A paleta reúne rosas suaves, amarelos delicados, cinzentos discretos e castanhos terrosos, numa luminosidade calma e subtil.

O caminho até esta fase tardia passou por uma desilusão. Em 1908, Rudolf Steiner, o pensador austríaco cuja obra a artista estudava, reagiu com frieza às pinturas para o templo. Af Klint interrompeu a pintura abstrata até 1912 e passou parte desse intervalo a cuidar da mãe, que era cega.

Quando regressou ao projeto, os símbolos cristãos tinham ganho maior relevo. O grupo «A pomba» reflete esta mudança de ênfase: ao longo do conjunto, a pomba representa o Espírito Santo, e a luta entre o bem e o mal desenrola-se no combate de São Jorge com o dragão. Af Klint escreveu nas suas notas que São Jorge era um dos seus alter egos.

«A pomba, n.º 1» esteve exposta na Galeria 203 do Museu Guggenheim Bilbao. A pintura pertence à fundação de Estocolmo que cuida do espólio de af Klint e que a empresta para exposições.

O templo em espiral pensado para «Retábulo n.º 1»

Af Klint concluiu «Retábulo n.º 1» em 1915, como parte do grupo de três obras que encerra «Pinturas para o templo». O título que lhe deu, «Grupp X, nr 1, Altarbild», identifica-o claramente como uma pintura de altar. Nestas três pinturas, usou folha metálica, um material tradicional da arte sacra. No n.º 1, um círculo radiante ocupa o centro de uma composição vertical, em amarelo luminoso sobre um fundo preto profundo, com apontamentos azuis, vermelhos e roxos.

O projeto começou com uma única sessão espírita em 1906, quando, segundo af Klint, um guia espiritual chamado Amaliel lhe encomendou a obra. Aceitou de imediato e chamou-lhe a grande obra que deveria realizar na vida. Seguiram-se oito anos em que se dedicou à pintura para um templo que nunca chegou a ser construído.

Entre 1930 e 1931, af Klint escreveu um caderno que descreve o templo em pormenor: um edifício redondo com vários pisos, onde os visitantes subiriam por um percurso em espiral até uma sala com um altar, no topo. Essa sala acolheria os três «Retábulos». Nunca o construiu, mas planeou-o com o rigor de um arquiteto.

As três pinturas relacionam-se com uma visão teosófica da evolução, que sobe do físico ao espiritual e desce do divino ao material. Das três, o n.º 1 apresenta a ascensão; o n.º 2, com o seu triângulo escuro invertido, faz descer o celestial à terra.

De outubro de 2018 a abril de 2019, a pintura esteve exposta no Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova Iorque, na exposição «Pinturas para o futuro». A rampa em espiral do museu deu ao n.º 1 e às outras duas obras um enquadramento invulgarmente próximo do templo não construído que af Klint imaginara quase noventa anos antes.

Mais de 600 000 pessoas visitaram a exposição, tornando-a a mais visitada da história do Museu Solomon R. Guggenheim. A pintura pertence à fundação de Estocolmo, que a empresta a exposições em todo o mundo.

As sete obras aqui reunidas partilham uma única convicção: uma pintura pode transmitir uma mensagem através do tempo, de uma artista a um público que nunca conheceu. Af Klint acreditava que o seu século ainda não estava preparado para as suas pinturas. A infância abre a vida, a pomba traz a luta entre o bem e o mal, e o retábulo aponta para o alto a partir de um templo que nunca chegou a ser construído. O que permanece, nas paredes dos museus e num poster de Hilma af Klint na sua casa, é a sensação de que ela pintava para um público futuro.

Sabia que…?

Pintou as primeiras 111 pinturas para o templo entre novembro de 1906 e abril de 1908, cerca de uma a cada cinco dias.
Depois de concluir os três «Retábulos», acrescentou mais uma pequena obra, «Castidade humana, pintura final», embora considerasse os «Retábulos» o desfecho do projeto.
Nasceu no Palácio de Karlberg, em Estocolmo, a 26 de outubro de 1862.
Morreu em 1944, no mesmo ano de Wassily Kandinsky, Mondrian e Edvard Munch.
Conhecia a «Teoria das cores» de Goethe, publicada em 1810.
Algumas obras de «A pomba» apresentam planetas com anéis, símbolos astrológicos e números, com apontamentos metálicos que evocam ícones medievais.
A artista pintou «Os dez maiores» a têmpera sobre grandes folhas de papel, mais tarde montadas em tela.

Perguntas sobre as pinturas de Hilma af Klint

Qual é o significado da arte de Hilma af Klint? As pinturas abstratas são um registo de mensagens espirituais. A artista acreditava que as formas, as letras e as cores vinham de guias, em vez de serem invenções suas, e escreveu mais de 125 cadernos ao mesmo tempo que pintava. As ideias místicas baseavam-se nos ensinamentos espiritualistas de Helena Blavatsky e de Rudolf Steiner. Uma tela pode funcionar simultaneamente como composição cromática e como mensagem.

Qual é o estilo artístico de Hilma af Klint? Ao longo dos anos, as pinturas para o templo passam de grandes formas orgânicas, repletas de espirais e pétalas, para uma geometria mais rigorosa, próxima de diagramas. As letras e os emblemas simbólicos repetem-se, e as obras tardias parecem, por vezes, esquemas de uma religião pessoal. Em 1906, a artista já tinha desenvolvido esta linguagem simbólica, antes de a arte abstrata aparecer na narrativa habitual da história da arte.

Quais são as pinturas mais famosas de Hilma af Klint? «Os dez maiores», de 1907, é a série que a maioria das pessoas conhece primeiro: dez telas com mais de três metros de altura que percorrem a infância, a juventude, a idade adulta e a velhice. Os três «Retábulos», de 1915, sintetizam todo o projeto do templo. «A pomba» é um dos grupos tardios iniciados em 1915. No Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova Iorque, «Os dez maiores» ocupou a primeira galeria de «Pinturas para o futuro», em 2018.

O que eram as «Pinturas para o templo»? Um ciclo de 193 pinturas e desenhos, realizado entre 1906 e 1915, que af Klint acreditava ter recebido como encomenda para um templo que nunca chegou a ser construído. Segundo a artista, o guia espiritual Amaliel fez-lhe o pedido no primeiro dia de 1906, quando tinha 43 anos, e ela aceitou de imediato.

O que significa a pomba nas pinturas de Hilma af Klint? No grupo «A pomba», de 1915, a pomba representa o Espírito Santo, e a luta entre o bem e o mal desenrola-se no combate de São Jorge com o dragão. Em duas pinturas do grupo, a pomba aparece com asas tingidas de vermelho. Grandes mãos que se movem entre o céu e a terra seguram a pomba.

Sobre o autor

A Moryarty procura e restaura posters vintage desde 2015. Procuramos em museus, bibliotecas e coleções privadas imagens que vale a pena preservar, restauramos cada uma à mão e imprimimo-las na nossa gráfica de Barcelona, em papel fine art de qualidade de museu. Para uma artista como af Klint, cujas letras e cores deviam transmitir significado, manter a reprodução fiel ao original é a própria razão de ser do trabalho.

Fontes

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