Talvez já tenha visto um pavão-indiano branco de cauda aberta sobre um fundo verde-claro, uma pequena ave azul entre as folhas alaranjadas de uma paulónia ou dois peixes-dourados numa vasta extensão de água. São gravuras de Ohara Koson, pintor e desenhador de gravuras japonês que viveu entre 1877 e 1945 e levou a representação de aves e flores para a xilogravura moderna.

Koson formou-se em pintura, criou gravuras para exportação na viragem para o século XX, voltou durante alguns anos à pintura e, na década de 1920, juntou-se ao movimento shin-hanga impulsionado pelo editor Watanabe Shōzaburō. As gravuras acabadas nunca foram obra apenas sua. Um gravador talhava os seus traços na madeira, um impressor aplicava a cor sobre papel húmido e um editor punha a folha a circular pelo mundo. Este artigo acompanha esse percurso e observa de perto as aves, o pavão-indiano branco, as flores e os peixes que tornaram Koson conhecido.

Quem foi Ohara Koson?

Ohara Koson nasceu com o nome Ohara Matao em Kanazawa, na costa do mar do Japão, em 1877. A sua vida profissional atravessou o fim do período Meiji, o período Taishō e o início do período Shōwa. Morreu em 1945, depois de passar mais de quatro décadas a criar imagens de aves, flores, peixes e água.

As assinaturas podem confundir quem começa a colecionar as suas obras. Os primeiros trabalhos trazem o nome Koson. A partir de meados da década de 1920, muitos desenhos publicados por Watanabe foram assinados Shōson; as gravuras feitas para outros editores nessa mesma época trazem o nome Hōson. As três assinaturas pertencem ao mesmo artista e assinalam editores e períodos diferentes, não pessoas diferentes. É por isso que, por vezes, as legendas dos museus e as descrições dos vendedores parecem falar de três artistas distintos.

As aves e as plantas sazonais dominam as obras pelas quais é mais lembrado, mas o seu repertório é mais vasto. Peixes, barcos, gatos e cenas junto à água surgem ao longo de toda a sua carreira. No essencial, porém, manteve-se próximo da natureza e deixou espaço livre suficiente para que cada criatura se destacasse por si.

Onde aprendeu a pintar aves e flores?

Em jovem, foi para Tóquio estudar pintura com Suzuki Kason, pintor de aves e flores. A sílaba «son» do seu nome artístico vem do nome do mestre. Essa formação deu aos seus desenhos para gravuras um ponto de partida próprio da pintura: um ramo, uma ave, uma flor e pouco mais na imagem.

A tradição em que se inscreveu chama-se kachō-ga, a arte japonesa de representar aves e flores. Uma imagem kachō-ga não precisa de uma paisagem por trás do motivo principal. Uma única ave pousada num ramo pode sugerir a estação do ano, o tempo e a atmosfera. Essa economia de meios convinha a Koson. Nas suas gravuras, um ramo, uma ave e o papel deixado em branco bastam para compor toda a imagem.

Duas gravuras muito diferentes mostram o resultado dessa aprendizagem. Numa delas, a ave da paulónia pousa entre as folhas que se erguem, uma pequena figura azul cercada de espaço livre. Noutra, as íris ocupam uma folha vertical com folhas verdes estreitas e flores abertas; o fundo claro faz as vezes de paisagem. Ambas revelam a mesma atenção à forma como um caule se curva e uma folha se abre.

Como pintava Ohara Koson aves e flores?

A pintura e os desenhos para gravura exigiam coisas diferentes da mesma mão. Numa pintura, o contorno traçado com um pincel fino distingue um bico, uma pena e um galho. Ao variar a pressão do pincel, o pintor diferencia um caule estreito de uma folha larga, e essa linha sustenta toda a imagem antes de receber qualquer cor. Koson também pintava aves e flores a tinta e a cores. O domínio dessa linha variável passou para os desenhos que depois entregava ao gravador.

A tinta e a cor diluída criam gradações na plumagem e nas pétalas, deixando áreas de papel em branco. Numa aguada pintada, o gesto é livre: a mesma pincelada pode começar escura e acabar clara. Numa gravura, não acontece o mesmo. A cor é impressa a partir de blocos sucessivos, e cada transição tem de ser planeada, gravada e impressa de propósito.

O desenho destinado à gravura tinha de prever essa diferença. O limite de uma área pintada nasce de uma única passagem do pincel; o de uma área impressa tem de ser talhado e entintado antes de chegar ao papel. Como desenhador, Koson precisava de dar ao gravador e ao impressor uma imagem que pudessem converter em blocos e impressões sucessivas. Uma linha que parecia espontânea no papel tinha, ainda assim, de ser talhada na madeira. Uma aguada tinha de ser dividida em áreas que se pudessem imprimir uma de cada vez.

Como chegaram as primeiras gravuras ao público estrangeiro?

Na viragem para o século XX, a editora Daikokuya, de Tóquio, começou a produzir os desenhos de aves e flores de Koson como xilogravuras a cores. Dirigida por Matsuki Heikichi, destinava grande parte do catálogo a compradores estrangeiros. As gravuras eram produzidas em tiragens e vendidas como imagens acessíveis da natureza japonesa, destinadas a circular além-fronteiras.

A exportação mudou o público e o alcance dos seus temas. Compradores nos Estados Unidos e na Europa adquiriram as aves e flores de Koson em grandes quantidades. Muitas das primeiras impressões seguiram para o estrangeiro e ainda hoje surgem em coleções ocidentais e no mercado.

Os seus primeiros desenhos para gravura abrangiam imagens muito diversas e ofereciam, no seu conjunto, um amplo panorama da natureza japonesa aos compradores estrangeiros. Uma pequena ave azul num ramo de paulónia compõe uma cena íntima e imóvel. O pavão-indiano branco abre a cauda por toda a folha e muda por completo a escala. Os nenúfares mostram flores cor-de-rosa e folhas arredondadas num enquadramento cerrado, enquanto um par de peixes-dourados parece suspenso em águas abertas.

Porque voltou Koson à xilogravura na década de 1920?

Depois dos primeiros trabalhos para exportação, Koson afastou-se do desenho para gravura e dedicou-se sobretudo à pintura. Durante alguns anos, o pincel do pintor teve prioridade sobre os blocos do editor. Esse intervalo ajuda a explicar a aparente divisão da sua obra: uma primeira fase de gravuras, um período intermédio mais discreto de pintura e, por fim, uma nova fase fértil de gravuras assinadas com outros nomes.

O regresso deu-se através de Watanabe Shōzaburō, o editor de Tóquio que deu nome e forma ao movimento shin-hanga. Shin-hanga, ou «novas gravuras», recuperou a antiga divisão do trabalho: um desenhador, um gravador, um impressor e um editor colaboravam em cada imagem. Watanabe recrutava pintores para criar os desenhos e, por volta de 1926, integrou Koson nesse grupo.

As gravuras posteriores mantêm os temas das aves e flores, em vez de os substituir. O que mudou foi sobretudo o sistema de edição, as assinaturas e o mercado. Uma gravura de Koson da década de 1920 e outra de cerca de 1910 partilham muitas vezes as mesmas espécies, o espaço livre e os pormenores sazonais.

Como eram feitas as xilogravuras de Ohara Koson?

Cada xilogravura japonesa a cores resultava de uma colaboração, e a Koson cabia o desenho. O editor coordenava os especialistas. Um gravador colava o desenho num bloco de madeira de cerejeira e talhava tudo o que não devia ser impresso. Depois entrava em cena o impressor: aplicava pigmento no bloco gravado, colocava por cima o papel húmido e esfregava o verso da folha com um baren, uma almofada plana que se segura na mão.

O registo tornava possível todo o processo. O contorno gravado e as diferentes áreas de cor tinham de coincidir exatamente na folha; uma marca chamada kentō mantinha-os alinhados. Um desvio de uma fração de milímetro podia arruinar um caule fino, um bico ou o contorno de uma pena. Por isso, o gravador e o impressor trabalhavam com uma precisão raramente exigida pelo desenho.

As transições suaves de cor vinham de uma técnica chamada bokashi. O impressor distribuía o pigmento de forma desigual pelo bloco ou humedecia-o para controlar a quantidade de cor que chegava ao papel. Assim, uma única área impressa podia passar de um tom intenso até desaparecer. Pode observar gradações suaves como as produzidas pelo bokashi no azul das pétalas das íris e nas mudanças delicadas de tom dos nenúfares cor-de-rosa. O resultado parece pintado, mas o bokashi é um processo de impressão, aplicado folha a folha.

As linhas finas impunham outras exigências ao bloco. Para imprimir padrões nas penas como os que se veem na cauda aberta do pavão-indiano, o gravador precisava, em geral, de deixar saliências muito estreitas na madeira. E linhas tão finas como as da chuva à volta desta garça tinham de continuar a parecer chuva, não riscos.

O que distingue as gravuras de aves de Ohara Koson?

As gravuras de aves variam no número de animais, na postura e na posição que ocupam no papel. A ave azul entre as folhas de paulónia está pousada no ramo. Em dois gansos em voo sobre a água, o olhar acompanha o movimento pelo ar livre, acima das ondulações.

As aves aquáticas deram-lhe outras possibilidades de composição. Os gansos brancos a nadar destacam dois corpos brancos sobre a água escura, com alguns juncos a erguerem-se de um lado. As gaivotas sobre o mar agitado distribuem cinco aves a diferentes alturas acima das ondas. Aqui, o ritmo substitui a imobilidade.

Os cenários são deliberadamente reduzidos ao essencial. Um ramo ou um conjunto de juncos situa a ave sem disputar a atenção com ela, e as amplas áreas livres tornam cada postura fácil de distinguir. O que à primeira vista parece espaço vazio é, na verdade, a parte da composição que permite ver a ave com clareza.

Como compôs Ohara Koson a gravura do pavão-indiano?

Na gravura do pavão-indiano claro de cauda aberta, a ave estende a cauda sobre um fundo verde suave. Em comparação com a pequena ave pousada entre ramos de paulónia, ocupa uma parte muito maior da folha. Essa diferença de escala dá ao pavão-indiano um ar mais cerimonial, enquanto a pequena ave conserva um tom íntimo.

O efeito dramático nasce de uma silhueta simples. O desenho minucioso das penas abre-se acima das patas esguias, enquanto o fundo à volta permanece relativamente liso. O pormenor nunca se torna confuso porque a forma exterior mantém tudo unido. Primeiro vemos o leque da cauda, depois o pequeno universo de padrões no seu interior e, por fim, o corpo claro ao centro.

A garça à chuva também põe uma ave branca no centro, mas faz o contrário: o fundo escuro e chuvoso destaca a sua plumagem clara. No pavão-indiano branco, a plumagem pálida distingue-se dos tons mais suaves que a rodeiam, permitindo reconhecer toda a extensão da cauda aberta.

Como representava Koson a chuva e a neve?

O tempo muda a atmosfera de uma cena com aves, e Koson explorou-o com contenção. A garça solitária à chuva mantém o corpo branco imóvel enquanto as longas linhas de chuva caem à sua volta. Um grupo de garças sob a neve clara reúne formas brancas sobrepostas numa paisagem fria e silenciosa. Uma gravura usa a chuva a cair para isolar a ave; a outra usa a neve acumulada para unir o grupo.

A neve chega também às plantas numa cena com dois papa-moscas azuis numa nandina coberta de neve. As aves pousam entre ramos arqueados com bagas salpicadas de neve; aqui, os pormenores da estação rodeiam-nas em vez de as isolarem. As bagas vermelhas sobressaem contra a neve branca e as duas aves azuis.

Cinco gaivotas sobre as águas agitadas dão ao mar um aspeto revolto pelo vento. Na gravura da garça, o tempo atua de outra maneira: em vez de água revolta, uma chuva fina e regular dá textura ao ar por trás da ave.

Como dispôs Koson as íris, os lótus e os nenúfares?

Quando não há aves, é a planta que sustenta a composição, e Koson deu a cada espécie uma estrutura própria. Um grupo de íris azuis ergue folhas verdes estreitas até às flores, perto do topo da gravura. O lótus em flor equilibra botões e flores que se erguem com folhas largas e muito espaço livre. Assim, o lótus parece flutuar em vez de crescer para cima.

Os nenúfares vistos de perto aproximam as flores cor-de-rosa e as folhas arredondadas de quem olha, num enquadramento que deixa as folhas ocupar toda a gravura. O lótus em flor deixa mais espaço à volta das suas formas. Os nenúfares parecem próximos e íntimos; o lótus mantém uma distância mais serena.

A azálea em flor conduz o olhar pelos caules ramificados até às flores vermelhas, ao contrário do crescimento mais retilíneo das folhas das íris. Em cada caso, a maneira como a planta cresce torna-se parte da composição. Koson desenhou esse crescimento, e o gravador e o impressor conservaram-lhe a nitidez.

Como representava Koson a carpa-comum e os peixes-dourados?

Os peixes deram a Koson um cenário ainda mais despojado do que as aves. O par de peixes-dourados desliza por uma ampla extensão de água azul com ondulações suaves; os próprios peixes são o único motivo da imagem. Uma carpa-comum solitária flutua em águas azul-esverdeadas, deixando livre o resto da folha. Dois peixes movem-se juntos, enquanto a carpa solitária tem toda a extensão de água para si.

Nenhuma das imagens de peixes precisa de uma margem desenhada para sugerir movimento. As ondulações e a posição dos corpos fazem todo o trabalho. Em contrapartida, os três barcos de pesca em águas calmas surgem espaçados entre grandes extensões de água e céu, dando à cena um horizonte e uma escala ausentes das imagens de peixes.

Barcos ao pôr do sol vai mais longe: um sol vermelho e baixo, acima de barcos reduzidos às formas essenciais, situa a cena numa hora precisa. Os peixes habitam um mundo sem pontos de referência; os barcos pertencem a uma determinada hora e a um determinado estado do tempo. Em conjunto, mostram tudo o que uma extensão de água podia contar.

Como escolher e emoldurar uma gravura de Koson em casa

Estas gravuras trazem diferentes formas de tranquilidade a uma divisão, e uma imagem vertical adapta-se a uma parede estreita. Numa faixa de parede junto a uma porta, o ramo de paulónia em A3, numa moldura de pinho claro, ganha espaço para se erguer. As íris azuis em A2, numa moldura de alumínio branco, acompanham o movimento ascendente das folhas e flores e adequam-se a uma parede que pede altura, não largura.

Numa parede principal, o pavão-indiano de cauda aberta precisa do formato maior para que o amplo leque mantenha a sua unidade mesmo visto do outro lado da divisão. Em A1, numa moldura de alumínio dourado, a cauda torna-se o centro das atenções. Para um espaço mais pequeno, a nandina no inverno em A3, numa moldura de pinho preto, reúne duas aves azuis e bagas salpicadas de neve numa imagem que fica bem por cima de uma consola.

Junto a uma cadeira de leitura, é mais fácil pousar o olhar numa imagem com espaço livre entre uma página e outra. O lótus em flor em A2, numa moldura de pinho claro, deixa bastante espaço à volta dos botões. Os nenúfares vistos de perto em A3, numa moldura de alumínio branco, aproximam as flores cor-de-rosa e as folhas arredondadas, o que se adequa a uma parede vista à distância de uma cadeira.

A azálea vermelha em A4, numa moldura de alumínio preto, adapta-se à parede junto de uma secretária: as flores vermelhas nos ramos dão cor sem sobrecarregar a zona de trabalho. Por cima de um aparador, esta gravura de dois peixes-dourados a atravessar o campo azul, em A2, abre-se numa extensão de água ondulante, e os peixes parecem mover-se sempre que olha para eles. Pode encontrar estas obras e as restantes na nossa coleção de Ohara Koson. Cada poster é impresso na nossa oficina de Barcelona em papel mate para impressão artística de 230 g/m², com tintas pigmentadas de qualidade arquivística, para que os fundos claros mantenham a uniformidade e a água conserve as suas gradações suaves.

Sabia que…?

• Koson também criou gravuras de batalhas durante a Guerra Russo-Japonesa de 1904-1905, um contraste marcado com as aves e flores a que regressou mais tarde.
• O editor Watanabe Shōzaburō também publicou Kawase Hasui e Itō Shinsui, os dois mais conhecidos criadores de paisagens e de figuras do shin-hanga, respetivamente.
• Ernest Fenollosa, conservador de arte japonesa no Museum of Fine Arts de Boston, pediu a Koson que enviasse muitas das suas gravuras de aves e flores para os Estados Unidos.
• O Rijksmuseum, em Amesterdão, possui uma gravura de um pavão-indiano branco de Koson.
• As gravuras assinadas Hōson foram publicadas pela editora Sakai e Kawaguchi.
• Em 1933, Koson desenhou uma gravura de um gato a observar uma taça com peixes-dourados.

Perguntas frequentes sobre Ohara Koson

Como distinguir uma gravura antiga de Koson de uma posterior? Procure a assinatura e o selo do editor na gravura. Os primeiros desenhos costumam trazer o nome Koson e o selo de uma editora como a Daikokuya, dirigida por Matsuki Heikichi. A partir de meados da década de 1920, os desenhos apresentam muitas vezes a assinatura Shōson e o selo de Watanabe Shōzaburō, enquanto as gravuras para Sakai e Kawaguchi são assinadas Hōson. Comparar a assinatura com o selo é mais seguro do que guiar-se apenas pela data.

Porque é que o mesmo artista se chama Koson, Shōson e Hōson? Mudou de nome artístico consoante os editores e os períodos. Para quem coleciona as suas obras, a assinatura é uma pista: Koson identifica as primeiras gravuras, Shōson as publicadas por Watanabe a partir de meados da década de 1920, e Hōson as feitas para outros editores nessa mesma época. Os três nomes pertencem à mesma pessoa.

Qual é a gravura mais famosa de um pavão-indiano de Ohara Koson? É a do pavão-indiano branco de cauda aberta. O Rijksmuseum, em Amesterdão, possui um exemplar. A nossa reprodução do pavão-indiano branco resulta melhor no formato maior e com uma moldura metálica dourada, que dá espaço à cauda para mostrar toda a sua extensão.

Ohara Koson desenhava apenas aves? Não. Criou gravuras de flores, peixes, barcos e gatos e, durante a Guerra Russo-Japonesa de 1904-1905, desenhou cenas de batalha. Regressou sempre aos temas da natureza, pelos quais é hoje lembrado.

Que obras fazem parte do trabalho de Ohara Koson? Pinturas em rolo feitas a tinta e a cores, além de desenhos para xilogravuras. As pinturas mostram as mesmas aves e plantas das gravuras, mas são obras únicas. Já os desenhos para gravura eram transformados por gravadores e impressores em tiragens.

Onde posso ver ou comprar gravuras de peixes de Ohara Koson? Pode procurar as suas gravuras de peixes nas coleções online do Rijksmuseum e do British Museum. A nossa coleção de Ohara Koson inclui a carpa-comum, os dois peixes-dourados e várias cenas junto à água. Os desenhos dos peixes usam as mesmas águas abertas e cores contidas que as gravuras de aves.

Posters da nossa coleção

• Flores de nandina (Ohara Koson, 1910)
• Nenúfar em flor (Ohara Koson, 1910)
• Azálea em flor (Ohara Koson, 1930)
• Dois peixes-dourados (Ohara Koson, 1910)

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Sobre o autor

A MORYARTY foi fundada em 2015 e reúne hoje uma coleção de mais de 2 000 posters e gravuras vintage. A nossa equipa encontra imagens em museus, bibliotecas e coleções privadas, restaura-as à mão sem alterar o desenho nem as cores originais e imprime cada uma na nossa oficina de Barcelona com tintas pigmentadas de qualidade arquivística. Se passar por uma das nossas lojas em Barcelona ou Lisboa, pode ver a coleção ao vivo.

Fontes

• Ohara Koson
• Pavão-indiano branco de Ohara Koson, Rijksmuseum
• Ohara Koson, British Museum
• Xilogravura no Japão
• Shin-hanga