Paul Klee criou mais de 9000 obras ao longo de uma carreira que atravessou o Expressionismo, a abstracção, a Bauhaus e a agitação política da Alemanha dos anos 1930. Quem percorre uma lista de pinturas famosas de Paul Klee depressa nota a diversidade: pequenas aguarelas, grandes telas construídas a partir de grelhas geométricas, símbolos inventados e figuras de traço vincado.

As dez obras seguintes acompanham essa evolução por ordem cronológica. Cada uma foi escolhida pelo lugar que ocupa na carreira de Klee, pela presença numa grande colecção de museu ou pela influência que teve na forma como a sua arte é hoje entendida.

Como foram escolhidas as pinturas

Klee trabalhou com óleo, aguarela, têmpera, tinta, giz e um processo de transferência que ele próprio inventou. Uma selecção equilibrada tem de mostrar mais do que as suas composições geométricas coloridas. Precisa também dos seus desenhos, figuras, animais, símbolos e das pinturas tardias sobre tecidos ásperos.

O reconhecimento dos museus foi outro critério. Várias das obras escolhidas pertencem a instituições com grandes acervos, entre elas o Museum of Modern Art de Nova Iorque, o Kunstmuseum Bern, o Zentrum Paul Klee, o Solomon R. Guggenheim Museum e o Philadelphia Museum of Art. Os seus registos de conservação dão informações fiáveis sobre materiais que as reproduções ocultam com facilidade.

A popularidade contou, mas não decidiu tudo. Máquina de chilrear e Gato e pássaro são imagens conhecidas, mas Ao estilo de Kairouan revela a dimensão das experiências de cor de Klee. As obras tardias foram incluídas porque desfazem a ideia de que a sua arte se manteve delicada ou lúdica durante toda a vida.

As primeiras conquistas no domínio da cor

1. Hammamet com a sua mesquita, 1914

Klee viajou até à Tunísia em Abril de 1914 com os artistas alemães August Macke e Louis Moilliet. Visitaram Tunis, St Germain, Hammamet e Kairouan, registando em aguarela pátios, jardins e a arquitectura do Norte de África.

Hammamet com a sua mesquita conserva uma torre reconhecível e uma fila de edifícios, mas a parte inferior fragmenta a cidade em blocos transparentes de rosa, verde, amarelo e azul. Klee deixou o papel branco visível entre várias aguadas, o que mantém as cores separadas em vez de as tornar turvas.

A viagem durou menos de um mês, mas transformou o seu método. Numa entrada do diário escrita em Kairouan, Klee deixou a frase muitas vezes citada de que a cor se tinha apoderado dele. A obra anterior dependia muito da linha, enquanto as folhas tunisinas fizeram da cor a estrutura da imagem.

2. Ao estilo de Kairouan, 1914

Mais tarde, em 1914, Klee transformou essas experiências com aguarela numa composição de dimensões invulgares. O título completo, Ao estilo de Kairouan, transposto de forma moderada, mostra que estava a reelaborar as suas observações tunisinas, e não a pintar directamente a cidade.

A composição tem mais de dois metros de altura. Rectângulos, círculos e manchas irregulares preenchem a superfície, sem um horizonte convencional a separar a terra do céu. Algumas árvores e cúpulas simplificadas subsistem dentro da grelha, mostrando como a arquitectura forneceu a estrutura inicial da abstracção.

A escala distingue-a das muitas obras intimistas de Klee sobre papel. O artista queria saber se as relações de cor transparente de uma pequena aguarela conseguiam manter-se coesas numa superfície grande o suficiente para confrontar fisicamente o observador.

3. Angelus Novus, 1920

Klee criou Angelus Novus com aguarela e desenho por transferência a óleo, uma técnica em que colocava papel com tinta sob uma folha limpa e repassava o desenho original. A pressão transferia uma linha preta irregular que parece impressa, mas conserva as hesitações do desenho.

O filósofo Walter Benjamin comprou a obra em 1921. No ensaio de 1940 Sobre o conceito de história, Benjamin descreveu-a como o "anjo da história", empurrado para o futuro enquanto contempla os destroços do passado. Klee não lhe atribuiu esse significado político, mas a interpretação de Benjamin tornou a pequena imagem parte da filosofia do século XX.

A obra pertence hoje ao Israel Museum, em Jerusalém. A sua fama assenta no encontro de duas ideias: o anjo inventado por Klee e a resposta de Benjamin ao fascismo, ao exílio e à catástrofe histórica.

Os anos da Bauhaus

Walter Gropius nomeou Klee para a Bauhaus em 1920, e o artista começou a dar aulas em Weimar em 1921. Klee preparava aulas detalhadas sobre cor, movimento e construção pictórica, ao mesmo tempo que continuava a pintar numa divisão da sua casa. O seu ensino não impunha uma única estética Bauhaus, mas obrigava-o a explicar decisões que muitos artistas tomavam por instinto.

4. Balão vermelho, 1922

Um círculo vermelho flutua sobre uma cidade densa e apertada em Balão vermelho, hoje na colecção do Solomon R. Guggenheim Museum. Klee pintou a obra a óleo sobre musselina, cuja trama visível dá à superfície colorida uma textura mais seca do que a de uma tela lisa com preparação.

A cidade é composta por rectângulos, triângulos e formas escalonadas. Klee manteve o balão perfeitamente legível ao rodeá-lo de rosas, castanhos e verdes esbatidos. Um fio fino liga o círculo aos edifícios sem o prender a um lugar realista.

A imagem mostra como o artista equilibrava representação e abstracção. É possível reconhecer um balão e telhados, mas a pintura funciona primeiro como um arranjo de formas e só depois como a vista de um lugar.

5. Máquina de chilrear, 1922

Quatro criaturas parecidas com aves estão pousadas num arame ligado a uma manivela. As bocas abertas sugerem canto, mas o mecanismo giratório dá a entender que o som poderá ser repetitivo, forçado ou mecânico.

Klee produziu os contornos pretos por transferência a óleo e aplicou depois aguarela em tons pálidos de azul, rosa e roxo. O Museum of Modern Art descreve a folha como aguarela, pena e tinta sobre desenho por transferência a óleo em papel. Esta sobreposição de materiais explica por que motivo a linha parece mais áspera do que num desenho à pena comum.

O título usa a palavra alemã Zwitscher-Maschine. A combinação de aves vivas com um dispositivo accionado à mão encaixa-se no período da Bauhaus, quando artistas e designers discutiam a forma como os corpos, as máquinas e a produção industrial deviam interagir.

6. Senecio, 1922

Senecio apresenta um rosto dividido em quadrados coloridos e secções curvas. Dois olhos circulares estão colocados a alturas diferentes, enquanto a boca se reduz a um pequeno traço horizontal. O título pode referir-se ao género de plantas com flor Senecio, mas também lembra a palavra latina para homem idoso.

Klee pintou a obra sobre gaze montada numa placa, em vez de usar uma tela convencional esticada. A textura do tecido continua visível sob a fina camada de cor, o que impede que as divisões geométricas pareçam mecanicamente planas.

Os olhos assimétricos e a boca pequena dão à cabeça uma expressão teatral sem modelação realista. Klee estudou caricatura no início da carreira, e o rosto exagerado conserva esse interesse por baixo da construção geométrica.

7. Magia dos peixes, 1925

Peixes, plantas, um relógio, uma cruz e uma pequena figura humana surgem sobre o fundo azul-escuro quase negro de Magia dos peixes. Klee tratou a superfície como uma cena nocturna, em que objectos separados emergem a diferentes profundidades.

Os materiais incluem óleo, aguarela e tinta sobre tela. Um quadrado de musselina foi fixado perto do centro, e Klee pintou parte da composição por cima. O limite é difícil de detectar numa reprodução, mas cria uma camada física dentro do espaço imaginário.

Walter e Louise Arensberg compraram a pintura em 1937 e mais tarde ofereceram a sua colecção ao Philadelphia Museum of Art. A mistura de vida aquática, sinais e objectos mostra por que razão é difícil classificar as imagens de Klee como abstractas ou figurativas.

8. Gato e pássaro, 1928

A cabeça de um gato preenche quase toda a superfície, enquanto um pequeno pássaro repousa acima da sua testa. Os olhos do gato apontam para a ave, transformando o desejo do animal no tema principal, em vez de mostrar uma perseguição ou uma captura.

Klee usou óleo e tinta sobre uma tela preparada com gesso e montada em madeira. O gesso serve de base pálida e absorvente, enquanto as finas camadas de rosa e ferrugem deixam visíveis os traços riscados e desenhados.

Um nariz em forma de coração ocupa o centro do rosto. A posição do pássaro acima dos olhos faz com que pareça uma imagem dentro da mente do gato, e não uma ave presente na divisão. O Museum of Modern Art comprou a pintura em 1939, um ano antes da morte de Klee.

Grande escala e intensidade tardia

Klee deixou a Bauhaus em 1931 para dar aulas na Academia de Düsseldorf. Os nazis despediram-no em Abril de 1933, a polícia revistou-lhe a casa e, no final desse ano, regressou a Bern. A sua saúde piorou depois de 1935, embora a produção tenha aumentado muito em 1939.

9. Ad Parnassum, 1932

Ad Parnassum está entre as maiores pinturas de Klee, com cerca de um metro por 1,26 metros. O artista construiu a superfície com centenas de pequenas marcas coloridas sobre uma base em camadas e colocou depois uma pirâmide ou montanha simplificada por detrás de um círculo cor de laranja.

O título refere-se ao Parnaso, a montanha ligada a Apolo e às musas na mitologia grega. Evoca também o tratado musical de Johann Joseph Fux, publicado em 1725, Gradus ad Parnassum, um manual para aprender contraponto. Klee tinha formação de violinista, e as unidades de cor repetidas davam-lhe um equivalente visual para o ritmo e a variação.

Ao contrário dos pontos do Pontilhismo do século XIX, as marcas de Klee não se fundem opticamente numa cena naturalista. Constroem um campo texturado em torno de alguns grandes sinais geométricos. A pintura pertence hoje ao Kunstmuseum Bern.

10. Morte e fogo, 1940

Klee concluiu Morte e fogo no último ano da sua vida. Sofria da doença hoje geralmente identificada como esclerose sistémica, que lhe afectava a pele e os movimentos.

Uma cabeça pálida, parecida com uma caveira, ocupa o centro, rodeada por sinais negros espessos e uma forma vermelha. A palavra alemã Tod, que significa morte, pode ler-se no rosto e nas formas próximas. Um T surge na estrutura facial, os olhos circulares sugerem um O e uma forma parecida com um D fica de lado.

Klee usou pasta colorida sobre juta, um suporte grosseiro que combina com os contornos marcados do seu período tardio. As frágeis aguadas transparentes de 1914 deram lugar a pigmento denso, símbolos directos e uma imagem que aborda a mortalidade de frente. Morreu perto de Locarno a 29 de Junho de 1940.

Como escolher um poster de Klee para a parede

Comece pela cor, não pela fama. Os azuis pálidos e os rosas esbatidos das aguarelas tunisinas combinam com divisões onde predominam a madeira clara, o linho e as paredes de branco quente. Obras mais escuras, como Magia dos peixes, pedem mais contraste à volta e luz suficiente para os símbolos mais pequenos não desaparecerem à distância.

O tema define o ambiente tanto como a paleta. As grelhas arquitectónicas transmitem ordem, enquanto as aves, os gatos e as plantas inventadas trazem formas reconhecíveis sem se tornarem ilustrações literais. A nossa colecção Paul Klee inclui as duas abordagens, para que possa comparar composições geométricas como Arquitectura colorida com aguarelas mais suaves, como Formas livres.

O formato deve acompanhar a parede. As obras verticais adaptam-se a espaços estreitos junto a uma estante ou porta, enquanto as composições quadradas ficam bem por cima de móveis baixos. Na prática, notámos que as linhas finas de Klee ficam mais fáceis de ler em A3 ou A2, embora um conjunto de posters mais pequenos em A5 possa evocar a escala intimista das suas obras sobre papel.

Antes de emoldurar, vale a pena pesar bem as vantagens e as limitações. Uma moldura de alumínio preto dá um contorno firme às imagens geométricas, enquanto o pinho claro fica mais suave junto dos tons de aguarela. As molduras magnéticas deixam o poster mais exposto, pelo que não são a melhor escolha para cozinhas húmidas ou locais com luz solar directa, onde uma moldura com vidro protege melhor o papel. A MORYARTY oferece emolduramento gratuito, com posters sem moldura a partir de 6 € e opções emolduradas desde 16 €.

Sabia que?

• Klee era um violinista exímio e tocou na Orquestra Municipal de Bern antes de se dedicar por inteiro às artes visuais.
• Catalogou a própria obra a partir de 1911, atribuindo números e registando títulos, datas, materiais e proprietários.
• Entre 1916 e 1925, Klee fez cerca de 50 marionetas de mão para o filho Felix, usando materiais como tecido, gesso, osso e tomadas eléctricas.
• Dezassete das suas obras foram incluídas na exposição nazi Arte Degenerada, realizada em Munique em 1937.
• A inscrição na sua sepultura cita as suas próprias palavras sobre ser difícil de apreender no aqui e agora, porque vive tanto com os mortos como com os que ainda não nasceram.
• O edifício do Zentrum Paul Klee, em Bern, foi projectado por Renzo Piano e inaugurado em 2005.

Respostas rápidas a perguntas frequentes

Onde posso ver a maior colecção de obras de Klee? O Zentrum Paul Klee, em Bern, guarda cerca de 4000 obras, perto de 40 por cento da produção registada do artista. Só uma parte pode ser exposta de cada vez, porque muitas obras sobre papel exigem uma exposição controlada à luz para retardar a descoloração.

Como distingo uma obra original de Klee de uma cópia? Verifique o suporte, a técnica, a proveniência e o número de referência no catálogo raisonné de nove volumes publicado pela Paul Klee Foundation. A assinatura, por si só, prova muito pouco, pois as assinaturas e os monogramas do artista são fáceis de copiar.

Como se pronuncia Klee? A pronúncia alemã aproxima-se de "clê", numa única sílaba. O primeiro nome pronuncia-se aproximadamente "paul", e não à maneira inglesa.

As imagens de Klee ainda estão protegidas por direitos de autor na Europa? Klee morreu em 1940, pelo que o prazo europeu habitual de 70 anos após a morte do criador terminou no final de 2010. As fotografias tiradas pelos museus podem continuar sujeitas a direitos próprios, consoante o país e a imagem.

Por que obra de Klee devo começar se quiser apenas um poster? Para uma divisão luminosa e descontraída, uma aguarela tunisina como Hammamet é a escolha mais segura, pois combina com quase todos os tons de madeira. Se as paredes já tiverem muitos elementos, uma única obra de forte contraste, como Senecio, lê-se com mais clareza do outro lado da divisão do que uma grelha densa.

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Sobre o autor

A MORYARTY selecciona reproduções de posters vintage desde 2015, com uma equipa em Barcelona e Lisboa e parceiros revendedores por toda a Europa. Trabalhamos de perto com imagens modernistas e da Bauhaus, em que o tom do papel, a espessura do traço e um corte rigoroso decidem se a reprodução mantém o carácter da obra documentada.

Fontes

• Zentrum Paul Klee. Paul Klee
• Museum of Modern Art. Paul Klee
• Solomon R. Guggenheim Museum. Balão vermelho
• Philadelphia Museum of Art. Magia dos peixes
• The Metropolitan Museum of Art. Paul Klee