GUSTAV KLIMT|12 MIN DE LEITURA

O significado das obras de Gustav Klimt

Conhece o dourado. Talvez não saiba para quem Klimt criou as suas obras mais apreciadas nem o que lhes aconteceu depois de saírem do seu atelier.

AUTOR Moryarty

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«Dama com regalo», por Gustav Klimt, 1916 — Gustav Klimt, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

O significado da arte de Gustav Klimt depende da obra que se observa e do que aconteceu depois da sua criação. Klimt, pintor vienense, nasceu em 1862 e morreu em 1918. Foi um dos fundadores da Secessão de Viena, o grupo que rompeu com o meio artístico conservador da cidade em 1897. Ao longo da carreira, passou das pinturas murais em grandes edifícios públicos aos retratos para clientes privados, e os temas acompanharam as encomendas. As sete obras que este artigo percorre abrangem temas bíblicos, uma encomenda universitária, retratos privados e projetos ligados à arquitetura.

O significado de uma obra começa no motivo que levou à sua criação e na pessoa a quem se destinava. Continua com as reações de quem primeiro a viu e com o que as gerações seguintes escolheram ver nela. Volta a mudar com os seus proprietários e com o que lhe aconteceu. Estas sete histórias regressam aos mesmos temas: amor, saúde, identidade e liberdade artística, e ainda ao lado mais sombrio do século XX, com as confiscações, a destruição durante a guerra e as restituições.

Porque é que o quadro de Klimt com Hígia indignou os professores de Viena e ardeu em 1945?

A deusa da saúde de Klimt não é uma tela autónoma. É a figura na parte inferior de «Medicina», uma das três pinturas encomendadas a Klimt para o teto do Grande Salão da Universidade de Viena. O Ministério da Cultura e da Educação pedira-lhe «Filosofia», «Jurisprudência» e «Medicina» para decorar o salão do novo edifício de Heinrich von Ferstel na Ringstrasse, inaugurado em 1884. Enquanto a decoração de edifícios públicos costumava celebrar as conquistas humanas, Klimt escolheu mostrar a vida como um destino marcado pela doença e pela morte.

Hígia surge como uma figura que reúne a vida e a morte, numa rutura radical com a forma habitual de representar a deusa da saúde. «Medicina» foi apresentada pela primeira vez na 10.ª exposição da Secessão, em 1901. A reação foi mais furiosa do que todas as reações suscitadas por «Filosofia»: uma revista médica atacou a pintura e um grupo de professores universitários apresentou uma queixa formal contra ela.

Berta Zuckerkandl recordou nas suas memórias que o reitor leu uma petição que classificava a aceitação das pinturas para o teto como um insulto à arte. Um decano afirmou que Klimt ousara tocar naquilo que Rafael concebera para a eternidade. Do outro lado estava o anatomista Emil Zuckerkandl, um dos poucos professores que assinaram a favor de manter as pinturas. A polémica terminou em 1905, quando Klimt rescindiu o contrato com o ministério e readquiriu as três obras. Deixou então de aceitar encomendas públicas e passou a trabalhar para clientes privados.

Depois da recompra, as três pinturas passaram para colecionadores privados. Mudaram de mãos várias vezes e, em 1938, os nazis confiscaram-nas aos seus proprietários judeus. Durante a guerra, as três telas seguiram para um depósito de obras de arte no castelo de Immendorf, na Baixa Áustria. Um incêndio destruiu-as ali a 8 de maio de 1945. Acredita-se que forças das SS em retirada tenham incendiado o castelo, embora isso nunca tenha sido confirmado de forma conclusiva. Hoje, nenhum museu possui o original de «Medicina».

O que sobrevive é um registo escasso, mas precioso. A única reprodução a cores do pormenor de Hígia feita antes do incêndio é a estampa 10 do livro «Klimt: Eine Nachlese», de Max Eisler, publicado em Viena em 1931. O Museu de Israel, em Jerusalém, a Albertina e o Wien Museum conservam importantes estudos preparatórios para «Medicina». Em conjunto com as fotografias, permitem estudar a obra, apesar de a pintura ter desaparecido.

Um novo capítulo começou a 13 de novembro de 2024, com a apresentação de uma reconstrução a cores de «Medicina», com cerca de 12 por 8 metros, criada com inteligência artificial. Foi instalada na fachada de um edifício de investigação da Universidade de Medicina de Viena, no campus AKH Wien. A Google Arts & Culture realizou a reconstrução em colaboração com o Belvedere, em Viena. A reconstrução de 2024 permite a visitantes e funcionários voltar a ver «Medicina» inteira a cores, num edifício universitário, com Hígia na base. Até então, a composição completa só era conhecida a preto e branco.

Judite e a passagem do heroísmo bíblico ao poder sexual

A «Judite» de Klimt com folha de ouro transforma a história bíblica de uma cidade salva por uma decapitação em algo mais próximo de uma luta entre os sexos. O Belvedere, em Viena, proprietário da pintura, interpreta-a hoje como um ícone perigoso e sedutor da feminilidade. O museu salienta que a imagem não deixa espaço para o agressor masculino. Judite segura a cabeça quase com ternura, como se a empurrasse para fora da imagem.

Trata-se de um óleo com folha de ouro sobre tela. A pintura tem a assinatura no canto inferior esquerdo e apresenta o título «JUDITH UND HOLOFERNES» na parte superior da moldura. Um catálogo da Secessão de Viena de 1901 regista a obra na Sala III, com o número 20 e o título «Judith und Holofernes», indicando que era propriedade particular. O nome «Judite I» distingue-a de uma segunda pintura de Judite que Klimt realizou em 1909.

O historial documentado dos proprietários começa em Viena. Em 1901, a pintura pertencia a Anton Loew. Em 1907, já passara para Sophie Loew-Unger, também em Viena, e em 1920 estava com Berthe Hodler, viúva do pintor Ferdinand Hodler, em Genebra. Em 1954, o Belvedere comprou-lhe a pintura e levou-a de volta para Viena.

Alguns autores reconheceram os traços de Adele Bloch-Bauer no rosto de Judite, notando que a gargantilha se assemelha à que aparece no retrato de Adele que Klimt pintou mais tarde. Nenhum documento, porém, confirma essa identificação. A pintura está hoje exposta no Belvedere Superior.

Como o «Friso de Beethoven» sobreviveu à sua exposição temporária

O «Friso de Beethoven» foi criado para a 14.ª exposição da Secessão de Viena, que decorreu de 15 de abril a 27 de junho de 1902 e foi uma homenagem ao compositor. Vinte e um artistas trabalharam na exposição sob a direção de Josef Hoffmann, com o objetivo de unir arquitetura, pintura, escultura e música. A estátua de Beethoven de Max Klinger ocupava a sala principal. O friso de Klimt estendia-se ao longo da galeria lateral esquerda, por onde os visitantes entravam primeiro, e uma abertura na parede permitia ver a estátua. Klimt era então presidente da Secessão.

O friso segue a interpretação da «Nona Sinfonia» de Beethoven que Richard Wagner publicou em 1846. A sequência termina com um coro de anjos e um casal de amantes abraçados, que representam a «Ode à alegria» de Schiller e a felicidade alcançada através do amor.

Um crítico escreveu que o friso talvez fosse adequado a uma caverna de orgias pagãs, mas não a salas de exposição onde se convidavam mulheres e raparigas respeitáveis. O público discordou. A exposição atraiu quase 60 mil visitantes e tornou-se um dos maiores êxitos de público da Secessão. Na apresentação prévia, Gustav Mahler colocou seis trombonistas nas escadas para interpretarem o seu arranjo de um excerto da «Ode à alegria» musicada por Beethoven.

O friso deveria ser temporário, e os murais dos outros artistas foram demolidos depois de a exposição fechar. A Secessão já tinha agendado uma grande retrospetiva de Klimt para o ano seguinte. Carl Reininghaus, mecenas de Klimt, comprou o friso e mandou retirá-lo da parede. Foi isso que o salvou. Carl Reininghaus não encontrou um local adequado para expor o friso, e August Lederer também não conseguiu expô-lo quando o comprou, em 1915.

O friso foi expropriado durante o regime nazi. Depois da Segunda Guerra Mundial, foi devolvido a Erich Lederer, em Genebra, mas as autoridades recusaram-lhe uma licença de exportação. Depois de 1961, ficou guardado no Belvedere Inferior. Em 1973, Lederer vendeu-o à República da Áustria por cerca de 750 mil dólares americanos, embora algumas fontes indiquem 1972.

O Serviço Federal de Proteção dos Monumentos restaurou o friso sob a direção de Manfred Koller, concluindo os trabalhos em 1984. Uma cópia à escala real, feita durante o restauro, foi apresentada na Bienal de Veneza desse ano. Em 1985, o friso restaurado esteve exposto no Künstlerhaus, numa reconstrução da galeria lateral de Hoffmann. Desde 1986, pode ser visto pelo público numa sala própria na cave da Secession. Os herdeiros de Lederer pediram a sua restituição em 2013, mas uma comissão estatal rejeitou o pedido em 2015.

Quem foi Adele Bloch-Bauer e como se conseguiu recuperar o seu retrato?

No verão de 1903, o banqueiro Ferdinand Bloch-Bauer pediu a Klimt que pintasse a sua mulher, Adele. Segundo um relato, pretendia oferecer o retrato aos pais dela pelo aniversário de casamento, em outubro. Klimt levou anos a pintá-lo. O «Retrato de Adele Bloch-Bauer I», a óleo, ouro e prata sobre tela, assinado e datado de 1907 no canto inferior direito, é uma das suas pinturas mais imponentes. Adele está sentada, de tronco erguido, num campo de ouro, com as mãos delicadamente entrelaçadas. O Jewish Women's Archive descreve o resultado como um ícone moderno de uma grande dama.

A pintura só foi apresentada ao público no início de 1907, primeiro em Mannheim, no ano em que ficou concluída, e depois na Kunstschau de Viena, em 1908. Em 1938, os nazis confiscaram-na na casa dos Bloch-Bauer, juntamente com outras quatro pinturas de Klimt. Em 1941, o advogado nomeado pelos nazis para gerir o património de Ferdinand entregou o retrato à Galerie Belvedere, em Viena, afirmando que cumpria os desejos expressos por Adele no seu testamento.

Durante décadas, a pintura esteve exposta em Viena com o nome «A dama dourada», um título que ocultava a identidade da retratada. Com o novo título, retirou-se o nome de Adele Bloch-Bauer da legenda e completou-se o que a confiscação tinha começado. O retrato criado para a homenagear deixou de levar o seu nome. Em 1998, o jornalista Hubertus Czernin demonstrou que o Belvedere possuía várias obras roubadas a proprietários judeus e se recusara a devolvê-las. O retrato era uma delas.

Maria Altmann, sobrinha de Ferdinand, contratou o advogado E. Randol Schoenberg para reclamar cinco obras de Klimt ao Belvedere. O processo durou sete anos e incluiu uma audiência no Supremo Tribunal dos Estados Unidos. Schoenberg aceitou recorrer à arbitragem na Áustria, em parte porque Altmann tinha 85 anos. A primeira reação dela foi chamar-lhe louco. Em 2005, um tribunal arbitral austríaco decidiu que as pinturas deviam ser devolvidas aos herdeiros.

Em 2006, Altmann vendeu o retrato a Ronald Lauder por 135 milhões de dólares americanos, um preço recorde para uma pintura na altura. Lauder comprou-o para a Neue Galerie New York, onde está em exposição permanente desde 2006, de acordo com os desejos da família. Schoenberg afirmou que Altmann o vendeu, em parte, para contar a verdade sobre o que acontecera à sua família e, em parte, porque os herdeiros, coproprietários da obra, não podiam suportar o custo do seguro numa residência privada. O nome de Adele Bloch-Bauer, que o antigo título apagara, faz agora parte da forma como a pintura é conhecida.

«O beijo» foi adquirido antes de estar concluído

A Kunstschau Wien de 1908, organizada por Klimt, Josef Hoffmann e os seus colegas em tempo recorde, abriu ao público a 1 de junho. Klimt não conseguira terminar a sua célebre pintura do abraço a tempo da abertura. A obra foi apresentada com o título original, «Liebespaar». Era o destaque da sala de Klimt e a principal atração de toda a exposição. O Ministério da Educação austríaco comprou-a para a Galeria Moderna enquanto a exposição ainda decorria.

A galeria abrira apenas cinco anos antes e chama-se hoje Belvedere. A pintura ainda estava inacabada quando foi comprada por 25 mil coroas. Klimt concluiu-a e entregou-a ao ministério em 1909, mediante o pagamento do preço acordado. O Belvedere considera provável que Klimt tenha feito mais alterações depois da Kunstschau, até 1909. Uma fotografia antiga regista o primeiro estado da pintura.

No outono de 1909, um catálogo da Galeria Moderna designou a obra pela primeira vez como «O beijo», o título pelo qual hoje é mundialmente famosa.

Os materiais explicam grande parte da sua força. As roupas dos amantes têm decoração em folha de ouro, e o fundo está repleto de partículas de ouro, prata e até platina. A pintura data do auge do Período Dourado de Klimt, quando desenvolveu uma técnica que combinava folha de ouro com tinta a óleo e tinta de bronze. Para o uso do ouro, Klimt inspirou-se nos mosaicos bizantinos e na pintura de ícones. O estilo dos ícones com fundo dourado é normalmente reservado a temas sagrados. Aqui, aplicou-o ao amor profano, e a obra é frequentemente descrita como um ícone monumental.

Muitas pessoas presumem que o casal representa Klimt e a sua companheira, Emilie Flöge, talvez junto ao Attersee, onde passavam os verões. O Belvedere salienta que nenhuma fonte biográfica indica que Klimt pretendesse retratar-se a si e a ela. A identificação continua, por isso, a ser uma suposição romântica. O que se sabe com certeza é onde a pintura esteve. Permanece na coleção do Belvedere desde a sua compra e está exposta no Belvedere Superior, em Viena, como o destaque da coleção permanente.

«A realização» e a criação da sala de jantar da mansão Stoclet

Adolphe Stoclet, um financeiro belga, e a sua mulher, Suzanne, encarregaram Josef Hoffmann e a Wiener Werkstätte de projetar, decorar e mobilar a sua mansão em Bruxelas, com jardins formais. O projeto decorreu de 1905 a 1911. Klimt foi chamado para conceber o friso em mosaico da sala de jantar. O seu desenho dos amantes abraçados é um dos nove cartões, desenhos de trabalho à escala real, que realizou para esse friso, sobretudo entre 1908 e 1911.

«A realização», também chamada «Amantes», é a cena final do friso e faz par com «A expectativa», do lado oposto. O tema da expectativa e da realização já aparecia nos desenhos de Klimt desde 1904 ou 1905, anos antes de a encomenda estar concluída. As duas cenas ficam frente a frente na sala de jantar.

Klimt fez o desenho em Viena e em Kammerl am Attersee, a giz, lápis e guache, com bronze, prata, ouro e platina. A Wiener Mosaik-Werkstätte de Leopold Forstner executou o friso em mosaico. Os desenhos de trabalho especificam esmalte, incrustações de ouro e vidro colorido.

O MAK, Museu de Artes Aplicadas de Viena, que conserva o desenho original, indica que se pode supor que os amantes abraçados sejam Gustav Klimt e Emilie Flöge. Continua a ser uma hipótese de interpretação, não um retrato biográfico comprovado. O abraço final evoca os amantes no fim do «Friso de Beethoven», e o desenho aproxima-se muito de «O beijo» no estilo.

A mansão Stoclet continua a pertencer à família Stoclet e não está aberta ao público. São, por isso, os cartões em Viena que permitem ver o projeto. Em 2012, no 150.º aniversário do nascimento de Klimt, o MAK voltou a apresentar os nove cartões sobreviventes, depois de vários anos de restauro, numa exposição intitulada «Expectativa e realização», que decorreu de 21 de março a 15 de julho.

Quem foi Mäda Primavesi e como chegou o seu retrato a Nova Iorque?

Otto Primavesi, banqueiro e industrial de uma das famílias mais ricas da Morávia, e a sua mulher, Eugenia, eram mecenas da arte vienense mais inovadora. Entre 1912 e 1914, encomendaram a Klimt os retratos da filha, Mäda, e da própria Eugenia. Mäda tinha nove anos quando Klimt começou a trabalhar no retrato que fez dela.

Segundo o relato da própria Mäda, ela e a mãe viajavam regularmente para Viena para as sessões. Klimt fez numerosos esboços, experimentando poses, roupas e motivos de fundo antes de escolher a versão final. No verão de 1913, passou à família um recibo de um adiantamento de 15 mil coroas pelos dois retratos, o de Mäda e o da mãe.

Na obra concluída, Mäda usa um vestido branco com delicados ornamentos, feito pela designer Emilie Flöge, companheira de Klimt, por sugestão deste. A família também apoiava a Wiener Werkstätte: Otto Primavesi ajudou a manter financeiramente a oficina depois da saída do seu primeiro financiador, Fritz Waerndorfer. Os Primavesi tornaram-se próximos de Klimt na década de 1910 e convidavam-no para festas de Natal e de Ano Novo na sua casa de campo em Winkelsdorf, projetada por Josef Hoffmann.

O Metropolitan Museum of Art observa que a pose e a expressão de Mäda revelam uma confiança notável para uma criança de nove anos. Essa confiança corresponde à forma como mais tarde se descreveu: teimosa e maria-rapaz. A teimosia de que se lembrava sugere que a confiança do retrato era sua, e não apenas um sinal da riqueza da família.

Otto Primavesi foi proprietário da pintura de 1913 até à sua morte, em 1926, e a sua viúva, Eugenia, ficou com ela depois. A família teve de vender várias pinturas da sua coleção de Klimt, provavelmente porque a Wiener Werkstätte não dava lucro e o seu próprio banco faliu. Em 1928, o retrato passou, através de Hugo Bernatzik, para a Neue Galerie de Viena, que o vendeu a Jenny Pulitzer Steiner.

Os nazis confiscaram o retrato a Jenny Pulitzer Steiner, em Viena, em 1938, e a obra foi-lhe restituída em 1951. Em 1964, entrou no Metropolitan Museum of Art, em Nova Iorque, como doação de André e Clara Mertens, em memória da mãe de Clara, a sua antiga proprietária. O original está exposto na Galeria 800 do Met.

Reveja estas sete obras e escolha a história que gostaria de ter na parede, não apenas o dourado que reconheceu à primeira vista.

Sabia que…?

Klimt começou a carreira com o irmão Ernst e o amigo Franz Matsch, numa equipa chamada Companhia de Artistas, pintando murais em grandes edifícios públicos.
O «Friso de Beethoven» é considerado a primeira obra do Período Dourado de Klimt. Combina tinta e ouro com estuque dourado, botões de madrepérola, fragmentos de espelho e pedras semipreciosas, sobre argamassa aplicada numa esteira de canas.
Em 1902, os visitantes podiam reconhecer Gustav Mahler no cavaleiro de armadura dourada do friso, segundo a historiadora de arte Alessandra Comini.
«Filosofia», de Klimt, uma das três pinturas para a universidade, ganhou uma medalha de ouro na Exposição Universal de Paris, mas foi atacada por muitos críticos na Áustria.
Klimt fez centenas de esboços e estudos para as suas três pinturas da Universidade de Viena na década de 1890.
Eduard Pernkopf, reitor nazi e anatomista, apoiou a devolução das pinturas das faculdades à universidade antes de as enviarem para o castelo de Immendorf.
Uma crítica publicada num jornal de Viena a 9 de janeiro de 1916 descrevia o retrato de uma rapariga de cerca de dez anos com um vestido branco. A base de dados de Klimt identifica-o como o retrato de Mäda Primavesi.

Respostas às perguntas sobre Gustav Klimt

Porque foi destruída a pintura «Medicina», de Klimt? A pintura, com Hígia na base, foi confiscada aos seus proprietários judeus em 1938, juntamente com as outras duas obras para a universidade. Durante a guerra, as três pinturas estiveram numa exposição em Viena e depois foram guardadas. Mais tarde, seguiram para o castelo de Immendorf, na Baixa Áustria, onde um incêndio as destruiu a 8 de maio de 1945.

Que cenas mitológicas pintou Klimt? «Judite e a cabeça de Holofernes» e a figura de Hígia têm origem em fontes bíblicas e clássicas. Klimt também recorreu à mitologia grega em obras como a sua «Dánae», uma figura reclinada envolta em tecidos de pregas sinuosas. Pode pendurar uma reprodução dessa pintura na sua parede.

Quais são as obras mais sensuais ou eróticas de Klimt? «O beijo» e «A realização» tratam o amor com ternura, mas a carga erótica da sua obra é mais direta nos seus nus. «Serpentes de água II», com as suas figuras femininas entrelaçadas e cabelos ondulantes, pertence a essa vertente. Mais obras dessa linha estão reunidas na nossa coleção de arte erótica, em reproduções vintage.

Quanto valem as pinturas de Klimt? Os preços variam muito de obra para obra. O «Retrato de Adele Bloch-Bauer I» foi vendido em 2006 por 135 milhões de dólares americanos, então um preço recorde para uma pintura. O comprador, Ronald Lauder, limitou-se a confirmar publicamente que pagara mais do que o recorde anterior de 104,2 milhões de dólares americanos, estabelecido por «Rapaz com cachimbo», de Picasso.

Klimt pintou Adele Bloch-Bauer mais do que uma vez? Sim. Existe um segundo retrato, «Adele Bloch-Bauer II». A WikiArt data a encomenda desse retrato de 1912. Klimt também a pintou como Palas Atena.

Que moldura combina com um poster de Klimt? Para as obras de Klimt em que o dourado predomina, preferimos uma moldura preta, que realça o ouro. A nossa moldura de alumínio preto tem proteção em acrílico. Se a encomendar com um poster, emolduramos o poster gratuitamente.

Sobre o autor

Somos a equipa Moryarty. Desde 2015, encontramos posters vintage em bibliotecas, museus, coleções online, coleções privadas e mercados. Restauramos cada um à mão e imprimimo-los na nossa oficina em Barcelona, em papel fine art de qualidade museológica. O dourado e os padrões de Klimt exigem rigor na reprodução da cor. No restauro, temos sempre o cuidado de não alterar o desenho original nem as suas cores, exatamente o que estas obras pedem.

Fontes

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