EGON SCHIELE|8 MIN DE LEITURA
Quem foi Egon Schiele
Uma biografia clara do expressionista austríaco, da sua formação e relação com Gustav Klimt aos desenhos radicais da figura humana, principais obras e morte precoce.
AUTOR MORYARTY
Nascido na Áustria em 1890, Egon Schiele tornou-se uma das figuras centrais do Expressionismo vienense antes de morrer aos 28 anos. Os seus retratos, autorretratos e desenhos da figura humana substituíram os ideais académicos de beleza por corpos angulosos, pele exposta e um olhar psicológico atento.
A sua carreira desenvolveu-se durante os últimos anos do Império Austro-Húngaro. Passou pela formação académica em Viena, pelo apoio de Gustav Klimt, por uma pena de prisão relacionada com um desenho erótico, pelo serviço militar durante a Primeira Guerra Mundial e por uma importante exposição pouco antes de a pandemia de gripe de 1918 lhe pôr fim à vida.
O artista em poucas palavras
Trabalhou sobretudo com lápis, giz preto, guache e aguarela sobre papel. Muitas vezes, traçava um contorno contínuo em torno do corpo, acrescentava cor apenas em zonas seleccionadas e deixava grande parte da folha intacta. O papel deixado à vista separa a figura de qualquer ambiente ou cenário identificável.
Os retratos e os corpos humanos dominam a obra que chegou até aos nossos dias. Entre os seus modelos contavam-se familiares, mecenas, crianças, trabalhadoras do sexo, outros artistas, a sua companheira Walburga 'Wally' Neuzil e a sua mulher, Edith Harms. Também examinou a própria aparência em dezenas de autorretratos, alterando frequentemente a pose, a expressão facial e a idade aparente.
As imagens podem parecer espontâneas, mas as composições eram cuidadosamente controladas. Mãos, cotovelos e joelhos aproximam-se frequentemente das margens do papel. Um pé ou um braço cortado era muitas vezes uma decisão compositiva deliberada, e não indício de um estudo inacabado.
Os primeiros anos na Áustria
Nasceu a 12 de Junho de 1890 em Tulln an der Donau, uma cidade ferroviária a noroeste de Viena. O pai, Adolf Schiele, era chefe da estação. A mãe, Marie Soukup, era natural de Krumau, a actual Český Krumlov, na República Checa.
Os caminhos-de-ferro surgem repetidamente nos seus desenhos de infância. A família vivia perto das linhas, e alguns livros escolares conservados contêm esboços de locomotivas e carruagens. Segundo relatos, o pai destruiu alguns desenhos por considerá-los uma distracção dos estudos.
Adolf sofria de sífilis e morreu em 1905. Leopold Czihaczek, tio materno do jovem, tornou-se então o seu tutor legal. Czihaczek queria que seguisse uma profissão estável, mas acabou por aceitar a sua candidatura a uma escola de arte.
Em 1906, aos 16 anos, entrou na Academia de Belas-Artes de Viena. Estudou com Christian Griepenkerl, pintor associado a temas históricos e alegóricos. A academia exigia que os alunos copiassem moldes de gesso e seguissem regras estabelecidas para o desenho do corpo humano.
Esse sistema frustrava-o. Em 1909, abandonou a academia e ajudou a fundar o Neukunstgruppe, ou Grupo de Arte Nova, com colegas como Anton Peschka e Franz Wiegele. A primeira exposição do grupo realizou-se no Kunstsalon Pisko, em Viena, ainda nesse ano.
Gustav Klimt abre-lhe portas
Quando o adolescente entrou na academia, Gustav Klimt era o principal pintor moderno de Viena. Klimt rompeu com a conservadora Künstlerhaus em 1897 e ajudou a fundar a Secessão de Viena, uma sociedade de exposições que promovia a nova arte da Áustria e do estrangeiro.
Os dois artistas conheceram-se por volta de 1907. Klimt encorajou o mais jovem, adquiriu desenhos seus e apresentou-o a mecenas e modelos. Schiele participou também na Internationale Kunstschau de 1909, onde estavam representados Klimt, Oskar Kokoschka, Edvard Munch e Vincent van Gogh.
A influência de Klimt é evidente na obra inicial. Os fundos planos, as roupas com padrões e as silhuetas alongadas reflectem a linguagem decorativa associada à Secessão. O retrato de 1908 habitualmente intitulado Cabelo ruivo, chapéu azul pertence a esta fase, quando o tecido ornamental ainda disputava a atenção com o rosto e o corpo da modelo.
Klimt não transformou o seu protegido num imitador. Proporcionou-lhe contactos e apoio profissional sem lhe impor um único método. Em 1910, o jovem pintor já tinha eliminado grande parte do ouro, do ornamento e do ritmo elegante das superfícies das suas imagens.
Uma linha mais dura ganha forma
A mudança tornou-se visível nos autorretratos de 1910. Os corpos ficaram mais magros, as articulações mais vincadas e a pele passou a ser marcada com verde, vermelho ou ocre. O giz preto criava um contorno seco e interrompido, distinto das linhas mais suaves de Klimt.
A cor era aplicada de forma selectiva, em vez de modelar todo o corpo. Uma face, um mamilo, uma articulação ou uma madeixa de cabelo podia receber várias pinceladas concentradas, enquanto o papel em redor permanecia nu. Essa economia conferia a pequenos desenhos a força visual de pinturas muito maiores.
Em 1911, mudou-se com Wally Neuzil para Krumau, terra natal da mãe. Os habitantes opuseram-se ao casal não casado e à presença de jovens modelos no seu atelier. Ainda nesse ano, partiram para Neulengbach, a oeste de Viena.
A polícia deteve-o em Neulengbach, em Abril de 1912, depois de uma adolescente ter passado uma noite fora de casa na sua companhia. As acusações de rapto e conduta sexual imprópria foram retiradas, mas Schiele foi condenado por ter deixado desenhos eróticos ao alcance de menores. Passou 24 dias sob custódia, incluindo o período anterior ao julgamento, e o juiz queimou um desenho em tribunal.
A prisão não pôs fim à sua carreira, mas alterou as suas circunstâncias. Regressou a Viena e passou a depender mais de coleccionadores estabelecidos, entre eles o industrial August Lederer e o negociante de arte Hans Goltz. As encomendas de retratos e as exposições ofereciam um rendimento mais seguro do que os acordos informais de atelier usados em Neulengbach.
Seguiu-se uma mudança na vida pessoal. Em 1914, aproximou-se de Edith Harms, que vivia com a família do outro lado da rua, em frente ao seu atelier vienense. Terminou a relação com Wally e casou-se com Edith a 17 de Junho de 1915, três dias antes de se apresentar ao serviço militar.
As suas funções prejudicaram menos o trabalho do que teria acontecido se fosse destacado para a frente de combate. Vigiou prisioneiros russos perto de Mühling e, mais tarde, trabalhou em repartições de abastecimento militar. Por vezes, os oficiais permitiam-lhe desenhar, e durante o serviço produziu retratos de prisioneiros e colegas.
Obras essenciais de uma carreira breve
Mãe morta I, pintada em 1910, pertence à primeira fase independente. Apresenta um corpo materno escuro que encerra um bebé vivo, invertendo o calor esperado numa composição convencional da Virgem com o Menino. O tema liga-se ao tratamento recorrente da gravidez, do nascimento e da mortalidade.
Autorretrato com physalis, de 1912, mostra o artista com uma peça de roupa preta junto a um ramo de alquequenjes cor de laranja. O rosto pálido, o ombro levantado e o tronco cortado criam uma pose alerta e reservada. O Leopold Museum, em Viena, conserva a pintura como parte da sua vasta colecção de obras do artista.
Retrato de Wally Neuzil, também pintado em 1912, apresenta Wally com um olhar directo sobre um fundo claro. O percurso posterior da obra tornou-se quase tão conhecido como a imagem. O quadro foi apreendido em Nova Iorque em 1998, quando se encontrava emprestado ao Museum of Modern Art, dando origem a uma longa disputa de restituição que terminou com um acordo em 2010.
Os eremitas, de 1912, apresenta duas figuras escuras de corpo inteiro comprimidas uma contra a outra. A segunda figura é geralmente associada a Klimt, embora a pintura não seja um retrato duplo literal. Mais tarde, o artista descreveu-a como uma imagem de luto, e a sua superfície quase monocromática distingue-se das aguarelas mais luminosas.
A morte e a donzela foi pintada em 1915, depois da separação de Wally e do casamento com Edith. Uma mulher agarra-se a uma figura masculina envolta num manto, sobre um terreno nu. O título usado actualmente associa o abraço à separação e à morte, temas que se tornaram realidades imediatas durante a guerra.
Mulher sentada com o joelho dobrado, de 1917, mostra Edith com meias às riscas e uma peça de roupa verde e larga. O corpo é visto de cima, uma perspectiva que transforma os membros dobrados na estrutura da composição. A Albertina, em Viena, possui este desenho a guache e giz preto.
A família, pintada em 1918, começou como um retrato duplo e foi revista para mostrar um homem, uma mulher e uma criança. A figura masculina assemelha-se ao artista, enquanto a mulher não é um retrato directo de Edith. A criança foi imaginada, pois Edith estava grávida quando morreu e o casal não teve filhos que sobrevivessem.
Do reconhecimento à tragédia
A 49.ª exposição da Secessão de Viena, realizada em Março de 1918, atribuiu-lhe a sala principal. Schiele concebeu o poster da exposição e apresentou 50 obras. Seguiram-se vendas e encomendas, que lhe deram uma posição profissional mais sólida após a morte de Klimt, a 6 de Fevereiro desse ano.
Esse êxito durou apenas alguns meses. Edith, grávida de seis meses, morreu de gripe a 28 de Outubro de 1918. O marido morreu da mesma doença a 31 de Outubro, três dias depois. Foi sepultado no Cemitério de Ober Sankt Veit, em Viena.
A morte precoce deixou uma obra concentrada em cerca de uma década. Actualmente, os museus consideram os desenhos obras acabadas, e não simples estudos preparatórios para pinturas. Os fundos vazios, os contornos interrompidos e as poses comprimidas influenciaram artistas posteriores interessados na vulnerabilidade física, entre eles Francis Bacon, Lucian Freud, Jenny Saville e Tracey Emin.
Os museus e coleccionadores têm também de analisar o historial de propriedade das obras que passaram pela Áustria durante e depois do regime nazi. A disputa em torno de Retrato de Wally ajudou a chamar a atenção pública para a investigação de proveniência, a restituição e a perda forçada de colecções pertencentes a judeus.
Conviver com desenhos expressivos da figura humana
Estas obras adaptam-se a interiores onde o papel e a linha permanecem visíveis. Uma parede de galeria muito preenchida pode apagar a presença de um pequeno desenho de figura, enquanto uma única impressão com espaço generoso em redor preserva o isolamento da folha original. A nossa colecção Schiele inclui retratos, figuras sentadas e posters de exposições. A impressão da exposição da Galerie Arnot resulta particularmente bem quando apresentada isoladamente.
O alumínio preto acompanha os contornos escuros e as assinaturas manuscritas. O perfil estreito de uma moldura de alumínio preta evita introduzir entalhes decorativos que competiriam com o desenho. Está disponível um serviço de emolduramento gratuito, embora o alumínio possa parecer demasiado austero em divisões dominadas por madeira quente e tecidos. Nesses espaços, uma moldura de pinho claro tem uma presença mais suave junto a paredes creme, mobiliário de carvalho e têxteis naturais.
Uma nota franca sobre os passe-partouts: evite uma abertura que corte uma mão, a assinatura ou uma margem ampla do papel. Essas margens vazias fazem parte da composição, não são espaço excedente à sua volta. Os coleccionadores que nos procuram por Schiele querem quase sempre as folhas mais pequenas e intimistas. Por isso, um formato discreto A4 ou de postal funciona muitas vezes melhor numa parede do que uma impressão muito ampliada, que pode atenuar a tensão da linha original.
Sabia que?
- A casa onde nasceu, situada na antiga estação ferroviária de Tulln, é hoje um museu dedicado à sua vida e obra.
- Realizou a primeira exposição pública em 1908, no Mosteiro Imperial de Klosterneuburg, quando tinha 18 anos.
- A irmã mais nova, Gerti, posou frequentemente para os primeiros retratos e, mais tarde, casou-se com Anton Peschka, amigo de Schiele na academia.
- Klimt morreu em Fevereiro de 1918, e Schiele fez vários desenhos do rosto e das mãos do seu mentor na morgue do hospital.
- O Leopold Museum conserva 42 pinturas e mais de 180 obras sobre papel, a maior colecção museológica dedicada ao artista.
- O poster que concebeu para a Secessão de 1918 representa artistas sentados em torno de uma mesa, com a sua própria figura em destaque à cabeceira.
Respostas rápidas a perguntas frequentes
Onde posso ver a sua obra pessoalmente? O Leopold Museum e a Albertina, em Viena, conservam importantes conjuntos de pinturas e desenhos. O Belvedere, em Viena, a Neue Galerie, em Nova Iorque, e o Museum of Modern Art, também em Nova Iorque, exibem igualmente exemplos relevantes. Viena é a única cidade onde é possível ver pinturas, obras sobre papel e material de arquivo numa só viagem.
Como posso distinguir um desenho original de uma reprodução? Uma assinatura impressa não prova nada, pois é copiada juntamente com a imagem. Um original exige um historial de propriedade documentado, o exame do papel e dos pigmentos e a comparação com o catálogo raisonné de Jane Kallir, a obra de referência que atribui um número K a cada trabalho autenticado.
Quanto custam as pinturas originais? Casas com roupa colorida foi vendida na Sotheby's de Londres por 24,7 milhões de libras em 2011. As obras sobre papel custam geralmente menos do que as grandes pinturas a óleo, mas os exemplares autenticados ainda podem alcançar valores de seis ou sete algarismos.
Produziu gravuras durante a sua vida? Sim, mas a sua produção de águas-fortes, pontas-secas, litografias e xilogravuras foi pequena em comparação com os desenhos. Os compradores devem distinguir essas obras gráficas da época das reproduções digitais modernas feitas a partir de pinturas ou obras sobre papel. Uma reprodução de arte é a escolha mais sensata para a maioria dos interiores, pois até um desenho original modesto ultrapassa largamente um orçamento destinado à decoração.
As imagens estão livres de direitos de autor na Europa? Os direitos de autor das obras originais expiraram, uma vez que o artista morreu em 1918. Uma nova fotografia ou digitalização de um museu pode ter condições de utilização próprias, pelo que os direitos de publicação devem ser confirmados junto da instituição que forneceu a imagem.
Sobre o autor
A MORYARTY selecciona reproduções de posters vintage desde 2015. A nossa equipa trabalha entre Barcelona e Lisboa e conta com mais de uma década de estudo dedicado aos posters de exposições europeias, ao desenho expressionista e às diferenças práticas entre imagens de museus e impressões destinadas a paredes domésticas.